벨기에 브뤼셀 디자인 뮤지엄에서 10월 중순부터 열리고 있는 전시 〈Here We Are! Women in Design 1900 – Today〉 가 화제다. 비트라 디자인 뮤지엄 팀과 협력한 이 전시는 모든 공간과 프로그램을 디자인 역사에 오랫동안 억압됐던 여성 디자이너의 영향력을 알리고자 한다.

바일 암 라인, 로테르담, 비엔나에서 성황리에 개최되었던 이 전시는 풍부한 작품 컬렉션을 통해 모더니즘의 시작부터 현재에 이르기까지 디자인 분야에서 여성들의 작업과 근무 환경을 추적한다. 120년에 걸친 디자인 역사를 통해 여성 디자이너의 동등한 권리와 인정을 위한 투쟁의 관점에서 디자인의 다양한 측면을 재조명한다.

가구, 패션 또는 산업 제품의 디자이너, 인테리어 건축가 또는 기업가로서 여성은 현대 디자인의 발전에 중요한 역할을 해왔다. 하지만 디자인 역사에 관한 책에서 여성은 남성보다 훨씬 적게 등장한다. 이번 전시는 여성 디자이너들을 그 그늘에서 끌어내고자 한다.

이 전시에서는 선구자 샬롯 페리앙을 비롯해 아일린 그레이, 릴리 라이히, 클라라 포르셋, 기업가 플로렌스 크놀, 아르미 라티아, 또한 사회 개혁가 제인 아담스처럼 잘 알려지지 않은 인물까지 디자인 산업을 형성하는 데 기여한 80명의 여성 디자이너를 조명한다. 시간순으로 4개의 섹션으로 나뉘어 전시되며, 지난 120년간의 디자인 역사를 여행할 수 있다.

첫 번째 테마는 여성의 정치 참여 확대를 위해 공개적으로 투쟁하던 1900년경 현대 디자인 직업이 등장한 유럽과 미국에서의 디자인 발전에 포커스를 맞춘다. 이러한 여성 해방 운동은 오늘날 ‘소셜 디자인’이라는 용어로 불리는 사회 개혁가 제인 아담스와 루이스 브리검의 디자인 작품에도 반영되었다. 동시에 뉴요커 엘시 드 울프는 새롭게 떠오르는 실내 건축 분야에서 두각을 나타내고 있었다.

바우하우스, 러시아 브후테마스 학교(고등 예술 및 기술 워크숍), 독일 드레스덴 헬레라우 워크숍의 여성 디자이너들의 작품도 주목할 만하다. 바우하우스와 마찬가지로 1919년에 설립되었지만, 여성만 입학할 수 있었던 로헤란트 학교의 자료들은 지금까지 거의 알려지지 않았던 세계에 대한 통찰을 제공한다. 바우하우스에서는 남성과 여성이 함께 공부했지만, 여성은 섬유나 도자기 디자인 등 특정 분야에 국한되어 공부했다. 더 나은 교육 여건 덕분에 여성들이 디자인 직종에서 전문가가 될 기회가 점점 더 많아지고 있지만, 여전히 전통적인 역할 모델을 따라야 하는 경우가 많다는 것은 분명하다.

두 번째 테마는 1920년대부터 1950년대까지다. 이 시기에는 샬롯 페리앙, 아일린 그레이, 클라라 포르셋과 같은 디자이너들이 여전히 가부장적인 사회에서 처음으로 국제적인 성공을 거둔 시기다. 파리의 명품 업계에서 잔느 투생은 까르띠에의 주얼리와 시계 디자인에 자신의 흔적을 남겼다. 1920년대 현대 여성을 위한 오브제 제작을 전담하는 ‘Département S ‘의 책임자였던 그녀는 까르띠에의 예술 디렉터가 되어 까르띠에 제품을 통해 진보적인 여성상을 고취시켰다.

전시된 여성 디자이너 중 일부는 레이 임스와 그녀의 남편 찰스 그리고 아니토 알토와 알바 알토처럼 배우자와 긴밀하게 협력했다. 여성 디자이너들은 종종 함께 일한 사람들에 가려져 왔지만, 이번 전시에서 알 수 있듯이 많은 경우 공동 작업에 기여한 여성 디자이너들의 공헌은 이전에 생각했던 것보다 훨씬 컸다. 가장 잘 알려진 예는 샬롯 페리앙으로, 최근 몇 년 동안 그녀의 유명한 공동 작업자인 르 코르뷔지에와 함께 개발한 전설적인 가구 디자인에서 그녀의 역할에 대한 재평가를 통해 독립 디자이너로서의 중요성이 널리 알려졌다. 여기에 소개된 다른 여성 디자이너들은 1946년 초 뉴욕 MoMA에서 모노그래픽 전시회를 열었던 도예가 에바 자이젤과 같이 평생 독립적으로 활동한 인물들이다. 이 전시를 통해 트루드 페트리와 같은 다른 여성 디자이너들도 더 큰 주목을 받을 자격이 있음을 알게 된다.

세 번째 테마는 1950년부터 1980년대 후반까지, 특히 1960년대 이후 전후의 보수적인 사고방식에 대항하는 페미니즘의 두 번째 물결이 일었던 시기를 살펴본다. 1958년에 개최된 스위스 여성 작품 전시회(Saffa)와 같은 사례는 디자인 분야에서도 여성은 종종 가사 활동과 연관되어 있었지만, 그럼에도 불구하고 뛰어난 작품을 생산했음을 보여준다. 1970년대 마리메꼬의 양귀비 디자인이나 난다 비고, 개 아울렌티, 치니 보에리와 같은 이탈리아 디자이너들의 화려한 포스트 모던 오브제는 격변하는 시대의 양면성과 격변을 보여주는 증거다. 또한 이 시기에 갈리나 발라초바는 러시아 우주 프로그램을 위한 미래형 우주선 인테리어를 많이 디자인했는데, 최근까지 그녀의 작품은 거의 알려지지 않았었다.

전시의 네 번째 주제는 우리를 ‘현재’로 안내한다. 마탈리 크라셋, 패트리샤 우르퀴올라, 잉가 상페, 일세 크로포드, 헬라 용에리위스 등 세계적으로 유명한 여성 디자이너들의 작품은 디자인 분야에서 여성도 남성 디자이너와 마찬가지로 국제적인 성공을 누리고 있음을 보여준다. 일부 여성 디자이너들은 기존 분야의 경계에 도전하며 디자인을 재정의하는 데 크게 기여하고 있다. 지속 가능한 새로운 소재로서 해조류의 잠재력을 탐구하는 율리아 로만과 생산 과정을 면밀히 살펴보는 크리스티앙 마인더츠마가 대표적이다.

동시에 이번 전시의 주제는 디자인과 건축에서 페미니즘 담론이 저술, 훈련, 인정의 모델에 의문을 제기하고 이를 다양성과 교차성으로 연결하는 방법을 보여주는 현재 진행 중인 이니셔티브를 소개한다. 이번 전시를 위해 특별히 제작된 ‘정체성의 별자리 짜기’ 작품에서 콜렉티브 Matri-Archi(tecture)는 아프리카와 흑인 여성 디자이너의 개인적인 경험을 논의하고, 수많은 네트워크와 출판물은 디자인의 기존 구조와 서사에 관한 토론을 시작한다. 예를 들어, 콜렉티브 Futuress는 워크숍과 커뮤니티 플랫폼을 통해 고등 교육과 그 많은 제약에 대한 대항 프로젝트를 제안하고 있다.

전시는 오늘날 우리 사회에서 페미니즘에 대한 논의만큼이나 다양한 생각할 거리를 던져준다. 현대 디자인의 역사를 신선하고 현대적인 시각으로 바라보고, 21세기에 디자인이 무엇인지, 누가 디자인을 정의하고 누구를 위한 것인지에 대해 생각해 볼 수 있는 기회를 얻게 될 것이다.