투명한 유리와 레진에 스며든 색, 표면을 따라 번지는 빛, 거울 속으로 끝없이 확장되는 공간. 네덜란드 디자이너 사빈 마르셀리스(Sabine Marcelis)는 빛과 색이라는 비물질적인 요소를 가구와 조명, 공간 설치로 구현해 왔다. 스위스 취리히 디자인 박물관(Museum für Gestaltung Zürich)은 2026년 10월 30일부터 2027년 4월 4일까지 그의 작업 세계를 조명하는 전시 〈사빈 마르셀리스: 빛과 색(Sabine Marcelis – Light and Color)〉을 개최한다. 마르셀리스의 첫 미술관 개인전으로, 초기 작업부터 최근의 대형 설치 작품까지 지난 15년간의 디자인 실험을 한자리에서 살펴볼 수 있다. 이번 전시는 디자인의 형태와 기능을 넘어 빛과 색이 우리의 공간 인식과 감각적 경험을 어떻게 변화시키는지 탐색한다.

재료의 물성에서 출발하는 디자인

1985년 네덜란드에서 태어나 뉴질랜드에서 성장한 사빈 마르셀리스는 네덜란드 디자인 아카데미 에인트호번(Design Academy Eindhoven)을 졸업한 뒤 로테르담을 기반으로 활동해 왔다. 가구와 조명, 거울, 공간 설치에 이르는 그의 작업은 디자인과 예술, 건축의 경계를 넘나든다. 특히 유리와 레진처럼 빛을 투과하거나 반사하는 재료를 활용해 단순한 기하학적 형태 안에서 복잡한 시각적 효과를 만들어내는 것이 특징이다.

그의 디자인에서 원이나 직육면체 같은 기본 형태는 재료의 성질을 드러내기 위한 장치에 가깝다. 형태가 복잡해질수록 재료 고유의 투명도와 반사, 색의 깊이가 가려질 수 있기 때문이다. 마르셀리스는 지난 10월 20일 독일 디자인 협회(German Design Council)가 공개한 인터뷰에서 자신의 작업이 스케치보다 재료를 직접 다루는 과정에서 시작된다고 설명했다. 작업실에서 재료를 가공하고 실험하면서 발견한 효과가 형태를 결정한다는 것이다.

​이러한 접근은 초기 대표작인 ‘캔디 큐브(Candy Cube)’ (2014)에서 확인할 수 있다. 주조 레진으로 제작한 큐브 형태의 가구는 선명한 색채와 반투명한 표면이 특징이다. 빛이 재료 내부를 통과하면서 색의 농도와 깊이가 달라지고, 보는 위치에 따라 모서리와 표면의 인상도 변화한다. 단순한 가구이지만 색이 표면에 입혀진 장식이 아니라 재료 자체에 존재한다는 점에서 일반적인 가구 디자인과 차이를 보인다.

마르셀리스에게 색은 고정된 시각 정보가 아니다. 유리와 레진의 두께, 부피, 표면 질감, 빛의 방향에 따라 같은 색도 다르게 인식된다. 그는 이러한 변화 가능성을 디자인의 중요한 요소로 활용한다. 완성된 물체를 만드는 것만큼이나 물체와 빛 사이의 관계를 조율하는 과정이 중요한 셈이다. 이번 전시에서는 주요 작품과 함께 재료 샘플과 제작 실험을 소개해, 간결한 외형 뒤에 축적된 물성 연구와 생산 과정을 살펴볼 수 있도록 했다.

125개의 조명이 만드는 무한한 빛의 터널

이번 전시는 개별 디자인 오브제를 나열하는 방식에서 벗어나 관람객이 빛과 색의 변화를 직접 경험하도록 구성됐다. 개방적인 공간과 밀도 높은 설치 공간을 교차시키며, 각 작품의 재료적 특성과 공간 전체에 미치는 시각적 효과를 함께 보여준다. 전시 공간 디자인 역시 마르셀리스가 이끄는 스튜디오에서 직접 맡았다.

대표적인 설치 작업은 이케아(IKEA)와 협업한 ‘바름블릭스트 터널(VARMBLIXT Tunnel)’이다. 마르셀리스가 디자인한 바름블릭스트 조명 컬렉션의 제품 125개를 활용해 길이 11m의 빛의 터널을 조성했다. 그러데이션 효과를 적용한 거울 벽과 반복적으로 배열된 조명이 결합하면서 실제 공간보다 훨씬 깊고 끝없이 이어지는 듯한 착시를 만들어낸다. 일상적인 대량생산 조명 제품이 배치와 반사라는 공간적 장치를 만나 몰입형 설치 작품으로 변모하는 사례다.

영국 조명 브랜드 매스모스(Mathmos)와 협업한 ‘매스모스 라바 컬럼스(Mathmos Lava Columns)’도 이번 전시를 위해 구성한 대형 설치 작업이다. 1963년 처음 등장한 라바 램프를 새로운 규모와 형태로 재해석한 작품으로, 높이 약 2.56m의 대형 조명 8개를 거울로 둘러싸인 공간에 배치했다. 램프 내부에서는 색을 띤 왁스가 열에 의해 천천히 상승하고 하강하며 유동적인 형태를 만들어낸다. 거울에 반복적으로 반사되는 빛과 움직임은 공간의 경계를 모호하게 만들고, 관람객이 시간의 흐름까지 시각적으로 인식하도록 유도한다.

네덜란드 아티스트 보리스 아케트(Boris Acket)와 공동 제작한 ‘선빔 캡처드(Sunbeam Captured)’ (2024)는 빛과 움직임의 관계를 탐구하는 또 다른 작업이다. 얇은 수면에 기계적인 파동을 발생시키고 움직이는 광원으로 태양의 이동을 재현한다. 물결에 반사된 빛은 푸른색에서 주황색으로 이어지는 그러데이션 거울과 만나 공간 전체에 변화하는 색채를 만들어낸다. 자연에서 순간적으로 나타났다 사라지는 햇빛과 물의 상호작용을 실내로 옮겨온 것이다.

세 작업은 서로 다른 재료와 기술을 활용하지만 공통적으로 빛을 단순한 조명 수단이 아닌 공간을 구성하는 요소로 다룬다. 관람객의 위치와 시간에 따라 작품의 인상이 달라지며, 디자인의 경험 또한 하나의 고정된 이미지로 환원되지 않는다.

기능을 넘어 감각적 경험으로 확장되는 디자인

사빈 마르셀리스의 작업은 수공예적 제작 방식과 산업 생산 기술 사이를 오간다. 한정된 수량으로 제작되는 레진 가구와 조형물부터 글로벌 브랜드와 협업한 대량생산 제품까지 작업의 규모와 유통 방식도 다양하다. 그러나 그가 지속적으로 탐구하는 주제는 재료가 빛을 받아들이고 변화시키는 방식이다.

이러한 접근은 디자인의 기능을 바라보는 관점과도 연결된다. 일반적으로 조명은 공간을 밝히는 도구이며, 가구는 특정한 사용 목적을 수행하는 물건으로 이해된다. 반면 마르셀리스는 물체가 만들어내는 감정과 분위기 역시 기능의 일부라고 본다. 충분한 독서 조도를 제공하지 않는 조명이라도 공간의 분위기를 바꾸고 사용자의 감각에 영향을 미친다면 그 자체로 존재 이유가 있다는 것이다.

동시에 그의 작업은 재료 사용과 생산 방식에 관한 질문도 남긴다. 레진은 독특한 투명도와 발색 효과를 구현하는 데 유용하지만 환경적 부담이 있는 소재다. 마르셀리스는 최근 인터뷰에서 레진 사용을 유일작이나 소규모 시리즈로 제한하고 있으며, 바이오 기반 원료의 비중을 높인 대체 소재를 실험하고 있다고 밝혔다. 또한 2022년부터 일부 야외 유리 조형물에 태양전지를 통합해 외부 전력 공급 없이 야간 조명이 가능하도록 하는 작업도 진행하고 있다. 시각적 효과를 추구하는 과정에서 소재와 에너지 문제를 어떻게 다룰 것인지 역시 앞으로의 과제로 남아 있다.

취리히 디자인 박물관은 이번 전시를 통해 15년에 걸친 마르셀리스의 작업을 소개하지만, 전통적인 회고전의 형식과는 거리를 둔다. 디자이너 역시 과거의 성과를 정리하기보다 자신과 스튜디오가 빛, 재료, 색을 어떻게 연구하고 실험하는지 보여주고 싶었다고 설명한다. 이러한 의도는 완성된 작품뿐 아니라 제작 과정과 재료 연구를 함께 제시하는 전시 구성에 반영됐다.

​〈사빈 마르셀리스: 빛과 색〉은 디자인을 물체의 형태나 실용적 기능만으로 설명하기 어렵다는 사실을 보여준다. 투명한 재료 속에 축적된 색, 반사면을 따라 확장되는 공간, 끊임없이 변화하는 빛의 움직임은 관람객의 지각을 통해 비로소 완성된다. 이번 전시는 빛과 색이라는 익숙한 요소를 새로운 감각적 경험으로 전환하며, 디자인이 공간과 사람의 관계를 변화시키는 방식에 주목한다.

〈사빈 마르셀리스: 빛과 색(Sabine Marcelis – Light and Color)〉
기간 2026년 10월 30일 ~ 2027년 4월 4일
장소 취리히 디자인 박물관(Museum für Gestaltung Zürich), 토니 아레알(Toni-Areal)
큐레이터 다미안 포프(Damian Fopp)
공간 디자인 스튜디오 사빈 마르셀리스(Studio Sabine Marcelis)

글 김정아 해외통신원